La Ilustración y el Neoclasismo

La ilustración fue un movimiento que se desarrollo en Francia e Inglaterra principalmente a fines del siglo XVIII. Fue denominada de esta forma pues lo que se buscaba era iluminar a la humanidad a través de la razón. Sus principios fueron la exaltación de la razón y el rechazo a la autoridad de la tradición, ligado a esto se creía en el progreso basado en la razón y la educación.

Estas ideas tuvieron repercusión en varias áreas las ciencias, política, filosofía y sobretodo en la literatura y el arte.

El neoclásico dejo de lado los modelos pomposos del rococó y se dedico a buscar modelos más claros y sencillos y el uso de la razón en los temas remplazo a la religión. Los personajes se encontraban ahora en un primer plano y existía un predominio del dibujo. En muchos casos las pinturas intentaban exaltar los valores de la revolución y consideraban como los mitos romanos se identificaban con estos valore

Se puede apreciar como en el neoclasicismo da un deseo por recuperar el pasado, lo que da comienzo a las expediciones y a redescubrir las ruinas de las civilizaciones griegas y romanas de los cuales se estudiarían las formas que luego serian aplicadas en las obras que se producirían.

En Roma los viajeros y artistas de Europa podían visitar las ruinas y también intercambiar ideas las cuales luego llevaban a sus tierras. Fue en Roma que apareció la academia de la Arcadia en la cual se promovían los modelos clásicos y los modelos estéticos neoclásicos.

El Neoclasicismo

La pintura neoclásica se tomo como modelos de la antigüedad tomando en cuenta la adaptación que ocurría en la época como la renovación de la política, social, ética y cultural.

Las obras que solían realizar se basaban por la escultura griega y romana aunque se decía comentar que eran monocromas ya que las obras resultaban sobrias y frías.

Durante la Revolución Francesa la pintura neoclásica llega alcanzar su máximo esplendor y su principal exponente fue el pintor francés Jacques-Louis David. Francia se convierte así en el centro artístico de esta época.

Representantes:

Jacques Louis David:

El francés Jacques Louis David se forma en el taller de Boucher (Rococó) quien pronto descubre la facilidad de David para el dibujo, razón por la que le encamina al taller del pintor académico Vien, la cual es considerado el máximo representante

La singularidad de este artista se impuso por encima de los artistas contemporáneos quizás por su implicación de activista revolucionario bajo el imperio de Napoleón.

El paso por Roma lo que más le influya, el conocimiento directo de las ruinas y de los grandes maestros italianos del XVII.

Cultivó la pintura de tema clásico, inspirada en los relieves grecorromanos, de los que copió la simetría, la falta de profundidad y la ordenación en figuras paralelas.

Principales obras:

• Juramento de los Horacios
• El Rapto de las Sabinas
• Juramento de la pelota y La muerte de Marat
• Coronación del Emperador

Jean Auguste Dominique Ingres

Nació el 20 de agosto de 1780 en la ciudad francesa de Montauban. Su ligazón con la ciudad se mantuvo a lo largo de toda la vida del pintor, quien donó importante parte de su obra al ayuntamiento, recibió honores de sus conciudadanos y finalmente disfrutó en ella de su propio museo, el Museo Ingres de Montaubana .

Dos fueron las disciplinas en las que el padre inició al joven Ingres, y en ambas destacó como un experto, sin abandonar jamás su práctica: música y pintura.

Cuya admiración y seguimiento fue dos principales representantes Mozart y Rafael.

Antonio Canova

Fue un escultor italiano la cual sus modestos orígenes familiares, no pudo realizar estudios artísticos y comenzó practicando otros oficios. En 1768, a raíz de su traslado a Venecia, empezó a dedicarse a la escultura y rápidamente alcanzó una fama y un prestigio que mantuvo durante toda su vida.

Sus primeras obras venecianas, están impregnadas todavía del espíritu barroco que reinaba en la ciudad de la laguna.

Su estilo se caracterizaba por la inspiración en la Antigüedad clásica y poderosamente influido por los principios teóricos de Winckelman, Milizia y otros autores cuyas doctrinas se hallan en la base del nacimiento del estilo neoclásico.

La maestría técnica y la perfección en el acabado que le eran habituales. De hecho, todas sus obras fueron fruto de una larga elaboración, de una ejecución realizada con un detallismo casi artesanal perfeccionó su plasmación del desnudo y superó las deficiencias de sus primeros estudios anatómicos.

Principales obras:

• Orfeo y Eurídice o Dédalo e Ícaro
• Teseo y el Minotauro
• Albert Bertel Thorvaldsen

Nació en Copenhague en 1770 hijo de un islandés que se estableció en Dinamarca, donde trabajó como tallista de madera.

El joven Thorvaldsen estudió en la Academia de Copenhague donde tuvo como maestro, entre otros, a Nikolai Abildgaard.

Ganó todos los premios, incluida la gran medalla de oro. Como consecuencia, le concedieron una beca real, lo que le permitió marchar a Roma, para estudiar la escultura clásica.

Vivió en Roma hasta 1838, y allí se convirtió en uno de los líderes del neoclasicismo .La obra de Thorvaldsen llegó a alcanzar tal demanda que hacia 1820 trabajaban en su taller 40 personas para ayudarle a finalizar los encargos.

En Roma se convirtió en uno de los líderes del neoclasicismo hasta que murió de manera repentina en el Teatro Real de Copenhague el 24 de marzo de 1844, y legó gran parte de su fortuna para el edificio y mantenimiento de un museo en Copenhague, y para llenarlo también dejó toda su colección de obras de arte y los modelos de todas sus esculturas.

Principales obras:

El Monumento al león de Lucerna o El león de Lucerna

Ganimedes

El Pastor con perro, y su bajorrelieve de Hilas y las ninfas

Arquitectura Neoclásica

Se inicia con el estudio arqueológico Roma y Grecia ya que tenían una fascinación por Roma y Grecia, se debió en gran medida, al estudio arqueológico de estos lugares, los cuales en un momento se encontraron perdidos dentro del mundo occidental.

El potencial humano entonces se vio exaltado con gran magnitud en diferentes formas, encontramos en la arquitectura una forma más visible y fascinante del neoclasicismo, además la arquitectura cubre las necesidades psíquicas y emocionales de un entorno social trazado por el tiempo.

Así mismo tuvo una gran capacidad de influir en el pensamiento y en las costumbres de los hombres. Proliferan así las construcciones que pueden contribuir a mejorar la vida humana como hospitales, bibliotecas, museos, teatros, parques, etc.

La Ilustración

En el siglo XVIII en algunos países europeos, la aristocracia era el sector de la sociedad en la que el único centro de atención eran los placeres y los momentos agradables. Sin lugar a dudas la aristocracia era totalmente indiferente a las condiciones del pueblo y sus a sus peticiones. Pero a pesar de esto, hubo un sector social que, en oposición a esta situación fue moldeando una nueva forma de pensar; la burguesía (entiéndase como los pensadores del pueblo) fueron ideando La Ilustración. Que fue la nueva forma de pensar del siglo, que daría paso a grandes cambios en ámbitos tanto político, sociales y hasta artísticos como veremos más adelante.

La Ilustración fomentaba entre otras cosas la igualdad social mediante la difusión del conocimiento y la razón. Así pues se tendría un pueblo más conocedores de los acontecimientos actuales y las situaciones que se presentaban, para así este poder saber qué hacer para crear la igualdad en la nación. Ya que desde varios años atrás el pueblo era ignorante de su situación y de la indiferencia de la aristocracia hacia los problemas de su país.                                                         Además de ayudar al pueblo a ver su realidad, La Ilustración tenía como otro propósito hacer que las personas dejaran de creer que supersticiones, que eran basadas en cosas no comprobables. Los ilustrados fomentaban la apreciación de la razón como punto para comprobar y creer en las cosas. Se la otorgó a Dios la misma tarea que la naturaleza.

Pero cómo La Ilustración llegó a afectar al arte con esto. Pues en consecuencia a que en Europa La Ilustración se convirtió en la nueva ideología de la época en la cual las personas cambiaron sus formas de pensar, los artistas también hicieron lo mismo para poder hacer un renacimiento en las tradiciones artísticas.  La expresión de La Ilustración fue por ende el comienzo del Neoclasicismo.  Gracias a La Ilustración los artistas pudieron abarcar más su ámbito de conocimiento; en Europa todo artista debía ir a Italia para aprender de las pinturas clásicas para tener un conocimiento básico. Ahora el arte había vuelto a valer una expresión artística universal, dejando atrás la tendencia del Rococó de usar al Arte a fin de representar lo que unos pocos quieran. Así pues los artistas dieron a sus obras un valor moral y social esencial para su época.

El igual que La Ilustración trajo consigo un cambio social que también abarcó la mentalidad de los artistas; también trajo consigo su más grande manifestación del siglo, la cual fue al Revolución Francesa, como consecuencia, el pueblo tomo por sus manos la justicia y guillotinó a grandes familias aristocráticas y fue tras varios artistas de la época del Rococó; los cual hizo que reconocidos artistas como Jean-Honoré Fragonard buscaran refugio para salvarse.

El Rococó… el arte de la vista gorda

Después del apogeo del Barroco en la que los artistas ganaron reconocimiento en las cortes o en las familias aristocráticas, en el siglo XVIII se fue adecuando un ámbito en el cual, la aristocracia al gozar de poder y lujo, empezó a adecuar su vida al adorno de los placeres y los momentos agradable. Básicamente la aristocracia francesa, como por ejemplo, decidió contratar artistas para que pinten obras que reflejen su vida; sus goces, sus actividades, sus costumbres, y en general que hagan que cada aspecto de su vida este detallado por una llamativa belleza.                 En este siglo es pues el nacimiento del Rococó, el arte de la aristocracia. 

Como fue dicho en el principio, la aristocracia gozaba de tantos beneficios que se “encerró” en su propio mundo de felicidad en la cual su única preocupación era el de cómo pasa el día de una manera extraordinaria. Notándose claramente le falta de preocupación o de interés que tenían hacia el pueblo. Se apreciaba un claro desprecio y despreocupación por el pueblo, quien en esa época sufría de hambre y enfermedades.                                                                                                   Por este motivo podríamos considerar al Rococó como un arte frívolo. Pintando cuadros de situaciones felices y fantásticas; mientras el pueblo muere de hambre.        Pero si bien el Rococó fue un arte el podríamos criticarlo y darle una valoración negativa por su frivolidad. No podemos dejar de admirarlo por su manera de relacionar cuadros y construcciones con la naturaleza. Cuando apreciamos un cuadro del Rococó, vemos básicamente el uso de colores pastel, cuadros muy iluminados, un detalle fino hacia la naturaleza y sobretodo un  ambiente pícaro, sensual, atrevido. Eso con respecto a la pintura. Pero con respecto a su arquitectura la era del Rococó se puede definir de una manera:” Majestuoso”. Los palacios construidos en esa época mostraban majestuosidad, no solo por su tamaño y sus decorados exteriores, sino por un decorado interior magnifico apoyado de adornos y paredes pintadas con hermosas escenas. Acá yace otra característica importante del Rococó, los arquitectos y artistas lograron crear un interior que se adaptase a su exterior (grandes jardines llenos de vegetación). Claro ejemplo de esta tendencia es la Sala de Matteo Gasparini en el Palacio Real de Madrid. Ver el decorado tanto en las paredes como el techo, muestra la calidad del trabajo en busca de mezclarse con el exterior. Estilo único que perteneció al Rococó mostro al mundo la capacidad del hombre por mostrar belleza, opulencia y sobretodo; elegancia.

Desafortunadamente, demasiado lujo para unos pocos (aristocracia) hizo crece en el pueblo una ira que apoyada de nuevos pensamientos  de la época como La Ilustración terminara por dar inicio a la revolución Francesa en la que el pueblo harto de tanta indiferencia por parte de la aristocracia, decide atacarla y sacarla de su posición y “mundo” perfecto y le muestran la verdadera cara del pueblo.

Después de la Revolución Francesa muchos artistas de esa época fueron perseguidos por haber trabajo con y para la aristocracia, dejando que este estilo se pierda con el tiempo. Lo cual es triste pues como vimos fue un arte bellísimo, pero para unos pocos.

La Arquitectura Barroca

La arquitectura barroca deriva de las formas que se encontraban en el renacimiento tardío, esta forma de arquitectura se baso en las formas curvas, elipses y espirales, es en las fachadas donde se pone el mayor esfuerzo en decoración ya que estas son adornadas con numerosas cornisas y columnas griegas, salomónicas y romanas

Muchas de sus construcciones presentan formas cargadas y complejas  sin dejar de lado las formas clásicas, se llega al abandono de las líneas rectas, usando paredes cóncavas y convexas

Se usa también un alto juego de perspectiva y luz, logrando acentuar los efectos de claroscuro

Al igual que el estilo del renacimiento el barroco utiliza un entablamento a modo romano para sostener los arcos en las columnas o también el uso de los capiteles

Los temas que la arquitectura barroca adoptó fueron el urbanismo, la re modelización de Roma fue encargada por el papa Sixto V  el cual fue encargado a Doménico Fontana para que le diera la ratificación de ciudad santa a Roma

Otras obras  que se destacan son La iglesia de Gesú, cuya fachada fue diseñada por Vignola, la cual serviría como modelo para muchas iglesias Jesuitas especialmente en América es destacante de esta iglesia la decoración interior de la que destaca el fresco en el techo “El Triunfo del nombre de Jesús”  de Giovani Battista

Otra obra que se encuentra en Roma es la columnata de San Pedro diseñada por Gian Lorenzo Bernini asi como el Baldaquino de San Pedro donde se observa el uso de Columnas Salomónicas y varios puntos de vista

La arquitectura barroca se extendió por todo el mundo al igual que la reforma y contrarreforma de la iglesia. Teniendo  el estilo barroco español, caracterizado por la des ornamentación y su sobriedad, cuenta con representantes como Francisco de Mora, Juan de Nantes y Francisco Bautista

En Francia el barroco adquiere un carácter más sobrio que Italia siendo menos adornada, la obra representativa seria el palacio de Versalles Esta fue dirigida por la monarquía francesa

En muchas otras partes del mundo se vio esta influencia de la ornamentación del barroco habiendo  varios representantes de este estilo llegando a difundirse hasta América.

Rembrandt… El genio holandés

El Barroco como vimos anteriormente fue una época en la cual el valor gráfico tomó una gran importancia y reconocimiento, su máximo expositor de este género fue sin duda Caravaggio. El era reconocido y respetado por los pintores de su época y una figura célebre en Europa del Sur.

Pero si bien Caravaggio fue la figura más importante en el Barroco; no fue la única en sobresalir y ganar reconocimiento. Hubo otro artista que a pesar de venir de un país no tan reconocido como Italia a nivel artístico se convirtió en toda una sorpresa e inspiración para los demás países Europeos. Esa otra persona fue Rembrandt Harmenszoon van Rijn (Rembrandt) un artista holandés que cautivó a todo el público europeo por su inigualable talento y sus maravillosos retratos.

Como muchos artistas, Rembrandt empezó a mostrar aptitudes para la pintura a muy temprana edad. Gracias a que su familia era muy acomodada él fue aprendiz  de un pintor llamado Jacob van Swanenburgh, con quien estudiaría durante 3 años. Luego de sus años de estudios decidió poner su propio estudio empezando su trabajo personal y a enseñar a futuros artistas.^[                    

Al empezar Rembrandt a ganar nombre gracias a conocidos que lo presentaron y aconsejaron en la escena real; este fue adquiriendo un estilo único y unas características temáticas. Una de estos temas fueron los retratos y autorretratos que rápidamente llamaron la atención de los críticos y artistas debido a una cálida y un aspecto tan humano y humilde que era difícil diferenciarlos de la realidad. Para los críticos, Rembrandt tenía la habilidad de plasmar las expresiones humanas con un nivel de humanidad que los hacían acogedores y llamativos. Basta con ver su autorretrato de cuando tenía 22 años para ver sea humildad a la hora de plasmar a una persona que ya para esa época gozaba de renombre internacional. 

En la época en la que Rembrandt gozaba de reconocimiento en la corona, sus retratos se volvieron célebres, eran tan realistas que atrajeron mucha atención, pero a pesar de estos retratos Rembrandt mostro su talento único a la hora de hacer paisajes y paisajes narrativos, una de sus más famosas obras fue la “Ronda de Noche” en la cual jugó con diversos motivos. Los personaje estaban dispersados y había un fuerte juego entre luz y sombra. Pero además de estas nuevas temáticas, hubo un cambio en la pintura de Rembrandt. Con forme fueron pasando los años la pintura de Rembrandt se fue haciendo de detallista a formas más sueltas; se fue viendo que el “Lamento de Jeremías” tiene un muchos detalles y con sutiles puntos de luz, haciendo el cuadro una obra maestra pero poco a poco esta técnica se volvería un pincelada más fluida dando vida a cuadros como “La conspiración de Claudius Civilis” que se ve un marcado uso de pinceladas leves en el lienzo.

Pero a pesar de su evolución en su pintura, Rembrandt usó e incursionó en otras técnicas, una de las más recodadas fue la grabación. Rembrandt tuvo que adaptarse a los grabados debido a una crisis que lo estaba dejando en la calle. Fue así que este comenzó a estudiar la técnica, y fue tan alto su grado de genialidad que llegó a imponer una nueva técnica, "La estampa de los cien florines", en la cual combinaba masas de líneas y mordidas de ácido sucesivas para alcanzar distintos niveles de profundidad, con esta nueva técnica Rembrandt creó una buena cantidad de cuadros que lo volvieron a poner en el ojo del mundo como un gran grabador.

Sin lugar a dudes Rembrandt fue quien marcó una pauta en el Barroco, mostrando que Roma no es solo el centro del arte, sino que en otros lugares se pueden encontrar otros casos magníficos como él; gracias a sus clásico y detallados cuadros se convirtió en el más grande artista de su época y el mejor de su país hasta el día de hoy.